F-Zero: questa è next gen

Debutto: 21 novembre 1990

F-Zero è un gioco di guida futuristico, che fa dell’utilizzo degli effetti di distorsione del Super Famicom uno dei suoi punti di forza e di sicuro quello più appariscente. Il Producer è Shigeru Miyamoto e il risultato è fin da subito catalogabile come “esagerato”. F-Zero è potenza ed eleganza, uno sguardo lanciato sul futuro anche tecnologico, che rende possibile un sistema di controllo raffinato, essenziale per domare un modello di guida spericolato quanto esigente.

Non è facile immaginarsi oggi nel primo inverno dell’ultimo decennio del secolo scorso, ancora impacchettati degli abusi laccati degli anni ‘80. Ma collegare a un televisore a tubo catodico la console 16 bit di Nintendo e farsi spazzare via da F-Zero era stupefacente. L’effetto di rotazione del tracciato era incantevole, in senso letterale: rimanevi lì instupidito a vedere quegli ovali luminosi farsi risucchiare dallo schermo, veloci e ordinati. Attorno fischiavano i motori della Formula Zero.

Sono senza fiato! Uff, ragazzi, F-Zero è veramente qualcosa di incredibile. Pensavo di averle viste tutte, bubbles, poligoni, sprites, robaccia varia e chi sa cosa altro: niente però può battere l’impatto che ha avuto questa tecnica. Ok, ok, non ci sono edifici, cartelli e/o alberi che schizzano di fianco per dare l’effetto di velocità. E allora? Vi posso tranquillamente dire che non c’è bisogno di dare l’illusione di movimento veloce, perché il movimento veloce c’è già. Gli sprites che rappresentano il circuito ruotano, si ingrandiscono e si rimpiccioliscono a una velocità entusiasmante, se poi contiamo la quantità di colori e gli sprites delle auto che si muovono, beh, c’è da restarne secchi. Le colonne sonore infine sono realizzate molto bene, coinvolgenti ed entusiasmanti quanto basta per “gasarti a dovere”. In conclusione, un gioco straordinario per una macchina che, strano ma vero, può fare di più. Imperdibile.

Marco Auletta - The Games Machine1

Bolidi velocissimi che sfrecciano a pochi centimetri dal terreno tramite un cuscinetto ad aria. Questa è l’ambientazione in cui si svolge F-Zero, il primo, e speriamo non ultimo, gioco di corse per il Super Famicom.

[F-Zero è un gioco] sicuramente impressionante e godibilissimo. Speriamo che quello che promette questa console sia poi mantenuto in futuro.

K-Speciale Console2

Giocaci oggi: Switch

Nell’almanacco:
F-Zero X (1998)
F-Zero Maximum Velocity (2001)
F-Zero GX (2003)

Spiaccicarsi con Pilotwings

Debutto: 21 dicembre 1990

[NUOVO!] Nintendo ha programmato una simulazione per la sua console a 16 bit. A fianco di Super Mario World e F-Zero, c’è Pilotwings: creato dallo stesso Shigeru Miyamoto e però lontano anni luce per approccio e concetto. Vengono proposte le versioni videogiocabili di discipline come il paracadutismo, la gestione di un biplano, il volo di un deltaplano o di un jetpack.

Pilotwings funziona perché il Super NES ha l’intelligenza per riuscire a ruotare e zoomare la sua grafica, così da dare un’inebriante sensazione di velocità e realismo. Per giocare è richiesto sangue freddo e pazienza, perché tirando pestoni sul controller si otterranno pessimi risultati, spiaccicamenti a terra e inevitabili bocciature. Oltre che costi di assicurazione che schizzano tra le nuvole.

[…] La realizzazione di Pilotwings è semplicemente eccezionale. Tutte le capacità e le possibilità uniche del Super Famicom, come lo zoom e le rotazioni in tempo reale, vengono sfruttate al massimo. E come se non bastasse, la grafica è di altissimo livello, così come gli effetti sonori. In effetti Pilotwings da solo giustifica l’acquisto della console!

Gen 43

Pilotwings merita l’acquisto immediato. Ha tutto quello che deve avere un grande gioco: impegnativo, divertente, realistico e super giocabile.

Raze4

Giocaci oggi: Switch

Nell’almanacco:
Pilotwings 64 (1996)
Pilotwings Resort (2011)

Rotazioni aliene con Contra III: Alien Wars

Debutto: Super NES - 28 febbraio 1992

La già convincente libreria di giochi del Super Famicom accoglie Contra III: The Alien Wars. Konami non ha fatto pace con il suo pubblico o, a voler essere più precisi, ha deciso che il rapporto ha un che di sadico alla sua base. È possibile che Contra III: The Alien Wars sia il più crudele dei giochi run’n gun oggi disponibili, di certo è quello più maestoso da mettersi in casa. Le immagini del livello tutto costruito con le rotazioni del mode 7 della console di Nintendo stanno già facendo il giro del pianeta!

Il Probotector è un robot da battaglia sviluppato sotto il più assoluto riserbo da una speciale unità scientifica meccanica. L’anno è il 2636. Una volta ancora gli alieni, già sconfitti dal Probotector, hanno recuperato le forze e lanciato un’invasione su larga lasca. Gli umani sono solo bambole di pezza di fronte alle schiaccianti risorse a disposizione degli alieni, alle loro capacità scientifiche e alla loro vitalità. Sei mesi più tardi, due robot da battaglia compaiono in una città devastata caduto sotto il controllo degli alieni. Sono RD008 e RC011, i Probotector più forti mai visti prima.

Dalla confezione della versione europea

Non puoi fare un gioco d’azione meglio di così. Konami ha messo un sacco di roba in Contra 3 e si vede! Dagli incredibili scontri con i boss ai livelli visti dall’alto con le rotazioni, è un gioco tanto impegnativo quanto spettacolare. Il gameplay è ancora quello di Contra, ma con un vestito più bello che mai!

Ed Semrad - Electronic Gaming Monthly5

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Super Mario Kart, tanto per dire

Debutto: 27 agosto 1992

{ di Ugo Laviano }

Uscito su Super Famicom, Super Mario Kart è stato sviluppato in un anno da un team di 8 persone partito con una missione assegnata da Miyamoto: creare un F-Zero per due giocatori. Il mode 7 faceva miracoli, ma dividere lo schermo in due per dei circuiti lunghissimi su cui correre a 400 km/h non era tra questi, ed ecco quindi che i circuiti si fanno più piccoli e contorti, il che porta ad abbandonare le navicelle a gravitazione per dei più agili e sgommanti kart.

I piloti, inizialmente umani, indossavano dei caschi con colori diversi il che non riusciva a renderli granché distinguibili, “proviamo a metterci Mario” si dicono, “anche Koopa da dietro è riconoscibile” ed ecco che la banda del Regno dei Funghi si ritrova un nuovo lavoro. A rendere più frizzante il tutto, e completamente vincente la formula, ci pensano gli oggetti da lanciarsi addosso con ribaltamenti di fronte costanti che diventano il vero marchio di fabbrica di una seria che ancora oggi dà le piste – e i gusci - a tutti.

[…] è un gioco bellissimo e curatissimo sotto ogni punto di vista, sia tecnicamente, con un impeccabile uso del mode 7, un’ottima velocità (anche se leggermente inferiore a quella di F-Zero), una grafica fumettosa e un sonoro che riprende in maniera perfetta le musiche e gli effetti di Mario IV, sia dal punto di vista della giocabilità.

Marco Ravetto, Fabio Ravetto, “Raves” - Game Power6

Da fanatico di F-Zero, devo dire che ho trovato [alcuni elementi] fastidiosi. La visuale è anche un po’ troppo bassa. Però ci sono degli aspetti, come le prove a tempo, che sono fatte meglio rispetto a F-Zero, quindi è difficile dire quale dei due sia il migliore.

Famitsu7

Giocaci oggi: Switch

Nell’almanacco:
Mario Kart 64 (1996)
Mario Kart Super Circuit (2001)
Mario Kart Double Dash!! (2003)
Mario Kart DS (2005)
Mario Kart Wii (2008)
Mario Kart 8 (2014)

Super Castlevania IV ha un bel gancio

Debutto: 31 ottobre 1991

Super Castlevania IV ha tutto quello che ha reso grande la serie di Konami. Solo che ce n’è di più. La nuova grafica permessa dal Super NES fa impallidire i castelli di Dracula dell’era a 8 bit e l’accompagnamento sonoro non è da meno. I lavori su Super Castlevania IV si sono sovrapposti per un periodo a quelli di Castlevania III: Dracula’s Curse (1989). Ma se quest’ultimo ha visto muoversi dietro le quinte il team già responsabile dei primi due capitoli della serie, per il debutto a 16 bit si è assemblata una squadra per larga parte inedita.

Il sistema di gioco viene rifinito con movimenti d’attacco aggiuntivi, tra cui quelli concessi dall’effetto di rotazione della frusta del protagonista Simon Belmont. Di rotazioni, comunque, ce ne sono molte altre: se quello che cercava Konami era l’effetto wow, lo ha trovato.

Giocaci oggi: Steam | Switch | Xbox | PlayStation

Qualcosa in più…

Masahiro Ueno fu il responsabile per Konami dello sviluppo di Super Castlevania IV. Nei riconoscimenti del gioco, però, apparve con il nome di Jun Furano. Il riferimento era al personaggio fittizio di Jun, protagonista di una serie televisiva giapponese ambientata nella cittadina montana di Furano.

Nell’almanacco:
Castlevania: Symphony of the Night (1997)
Castlevania: Circle of the Moon (2001)
Castlevania: Harmony of Dissonance (2002)
Castlevania: Lords of Shadow (2010)

Legenda:
[NUOVO!] Di questo gioco non si è parlato nella prima stagione di Day One.

Consider this an evaluation of my hallucinations

Peccato che però come tutte le cose belle, a un certo punto finisca. Però c’è un modo semplice per prolungare la piacevole che si prova il 25 aprile, e noi siamo qua proprio per aiutarvi a farlo. E quindi:

Giochi nei quali fascisti e nazisti si possono menare:

• Wolfenstein (2009, Raven Software).

• Indiana Jones e l’antico cerchio (2024 MachineGames).

• Metal Gear Rising: Revengeance (2013, Platinum Games).

• Dying Light 2 (2022, Techland).

• The Saboteur (2009, Pandemic Studio).

• South Park: Il bastone della verità (2014 Obsidian).

• Un qualsiasi gioco online multiplayer competitivo (perché su, sappiamo com’è una non trascurabile parte delle persone che giocano).

• Crusader’s Kings 2 (storia lunga ma interessante: se ne volete sapere di più potete leggere qua e soprattutto qua).

Film antifascisti da guardare:

• Il Grande Dittatore (Charlie Chaplin, 1940).

• Star Wars (George Lucas, 1977).

• Brazil (Terry Gilliam, 1985).

• Porco Rosso (Hayao Miyazaki, 1992), ovviamente.

• American History X (Tony Kaye, 1998).

• La zona d’interesse (Jonathan Glazer, 2023).

Un podcast da sentire:

• Una mattina (Luca Misculin).

Non che ci fossero grandissimi dubbi a riguardo, ma Saros, il nuovo gioco di Housemarque è davvero una bomba. Credo sia la perfetta evoluzione dei giochi arcade delle sale giochi, tutto gameplay, meccaniche rifinite e rilascio di dopamina, ma senza l’accollo del dover mettere continuamente gettoni. La cosa incredibile è che non serve nemmeno essere dei manici per rimanere incollati al pad: anche morendo spesso (cosa che io faccio) comunque rimane sempre attaccata la voglia di giocare, di andare avanti, di capire se si è morti perché quel boss è proprio impossibile o perché si è fatto qualche errore.

Saros è veloce, immediato, un po’ confusionario all’inizio (ma solo se non si è avvezzi agli action) ma immediatamente leggibile, perché pur con un’atmosfera pazzesca, un art design notevolissimo e una bella storia, il centro di tutto sono sempre le meccaniche di gioco, la precisione millimetrica della risposta del personaggio e la gratificazione totale che si ha quando si entra in trance e si riescono a mettere in fila una serie di azioni complicatissime quasi senza pensarci.

Saros esce il 30 aprile, in esclusiva su PlayStation 5.

• Bisogna dare atto a Microsoft di non arrendersi (quasi) mai: la nuova capa di Xbox (che ha eliminato anche il nome Microsoft Gaming, vivaddio) ha annunciato che il Game Pass costerà di meno (cosa che porterà a una inevitabile crescita in termini di abbonati), che forse tornerà qualche esclusiva e che Call of Duty non sarà più tra i giochi compresi nel pass al lancio. Ora, conoscendo Microsoft le cose possono cambiare altre 14 volte da qua alla macchina, ma quantomeno è un segnale che indica una reale discontinuità con l’epoca di Phil Spencer. Poi, se chiedete a me, è proprio il modello basato sui servizi in abbonamento che è sbagliato per i videogiochi, ma è anche vero che non sono io quello pagato per prendere le decisioni importanti (fortunatamente per tutti).

• Come sta andando Rovio (quella di Angry Birds) dopo l’acquisizione da parte di SEGA.

• Shuhei Yoshida sta continuando il suo Sassolini nelle scarpe Tour: questa volta ha detto (e non fatico a credergli nemmeno un secondo) che è stato licenziato dall’allora CEO Jim Ryan (quello del “facciamo solo giochi a sviluppo continuo”) perché «gli chiedeva di fare cose assurde». Il suo posto è stato preso da Hermen Hulst, e non è che le cose stiano andando benissimo.

• Non che sia proprio una sorpresa, ma è stato annunciato ufficialmente il remake di Assassin’s Creed Blackflag, che si chiama Resynced. Ma cosa sarà esattamente?

• Prima di essere come lo conosciamo ora, Luigi era solo la versione verde di Mario.

• Come si fa a sviluppare un gioco indie a Cuba tra embarghi, crisi economiche e mancanza costante di energia? Pezzone di Brian Crecente.

• Scrivere i dialoghi dei personaggi dei videogiochi non è mica facile.

A posto così, a settimana prossima!

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Però ehi, puoi sempre valutare l’upgrade attraverso un complicato sistema di leve e di specchi che ti porterà a mandare delle mail a Mattia per capire come fare.

Alla fine, anche se non sembra, il Club del Gioco di Santa Pazienza sta davvero iniziando. Cioè, sarebbe già partito, ma se contiamo chi si è aggiunto in corsa e la enorme difficoltà (mia) nel creare un gruppo dedicato su discord, è come se non lo fosse, quindi ripartiamo e a posto così. Tanto, non è mica per la competenza che ci pagate, no?

Quando pensavamo a cosa fare di speciale per i figli di mazinga di Santa Pazienza, una delle prime cose che ci è venuta in mente è il Club del gioco, che funziona esattamente come un qualsiasi club del libro: scegliamo un gioco, ci diamo un mese per giocarci, e poi ci troviamo una sera tutti insieme per parlarne e raccontarci come ci è sembrato.

Le caratteristiche che avranno i giochi che sceglieremo saranno su per giù queste:

• Disponibili su più piattaforme o su una console particolarmente diffusa. Per dire, PlayStation sì, PlayDate no.

• Facilmente reperibili per tutti, e quindi disponibili sugli store online, ancora meglio se in sconto in quel periodo. Se non addirittura…

• Disponibili all’interno degli abbonamenti come PS Plus o GamePass.

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The Legend of Zelda: Ocarina of Time

{ Tratto da: Edge, dicembre 1998 (#66) }

Se vi siete soffermati sulle centinaia di immagini di gioco pubblicate su Edge negli ultimi tre anni e ora vi sembra che l’epopea di Nintendo vi sia fin troppo famigliare, pur non essendo ancora arrivata nei negozi, siete scusati. Ma rispetto all’esperienza con il prodotto finale, è stato solo un mero titillarsi. Se c’è un singolo gioco che più di ogni altro può essere portato a dimostrazione dell’irrefrenabile abilità di Nintendo nel voler raggiungere la perfezione, probabilmente è questo.

L’attesa che ha circondato Ocarina of Time nei tre anni passati dall’inizio dello sviluppo è andata crescendo costantemente, ma è l’impeccabile avo, Zelda: A link to the Past, che ha piantato il seme delle aspettative ben tre anni prima. La promozione dalle due alle tre dimensioni della serie Zelda è encomiabile, perché ha preservato l’essenza di ciò che rende inconfondibile l’esperienza di Zelda - un’intossicante miscela di esplorazione, azione, enigmi da risolvere e narrazione che ora viene accompagnato da una grafica allo stato dell’arte. È Zelda, ma a un livello creativo e con ambizioni tecniche nuove. Nintendo ha saggiamente evitato di proporre una versione fantasy di Mario 64 (un gioco a 64 bit il cui gameplay ha deviato significativamente dal platforming 2D puro dell’epoca a 16 bit). Il risultato è uno Zelda puro, immacolato, ma in pieno stile 1998.

Fin dalla schermata del titolo, in cui Link è in sella a un cavallo lanciato al galoppo, e dalla sequenza in soggettiva del tragitto in volo della fatina e partner Navi che raggiunge un po’ a fatica la casa di Link, gli eventi si dispiegano in questa saga con un approccio elegante, coreografico, cinematografico. Splendide sequenze in tempo reale puntellano il gioco senza alcuno stacco e con tale coerenza da mettere in ombra il confuso tenere assieme più stili di Final Fantasy VII – l’approccio di Square che ha privilegiato i render viene totalmente eclissato dal lavoro degli artisti di Nintendo. In questo caso togliere ha decisamente aggiunto qualcosa, per Nintendo.

L’allegra foresta dei Kokiri è dove Link fa le sue prime esperienze e funziona in modo simile al terreno che circonda il castello in Mario 64, uno spazio circoscritto in cui prendere confidenza con i comandi e interagire con i maliziosi abitanti del villaggio. Una volta dentro al gigantesco albero Deku (il primo dungeon), scoprirete le sottigliezze del sistema di comando, come il salto automatico di Link - una scelta che vuole allontanare il gameplay da quello di Mario - così come le complessità del sistema di combattimento che, per quanto inizialmente scoraggiante, si dimostra poi ben ideato ed efficace.

Messo da parte il tradizionale combattimento con la spada, la visuale in prima persona si attiva quando si utilizzano determinate armi come la fionda o l’arco, o anche oggetti tipo il rampino. Eppure, tenendo premuto il grilletto Z quando si è abbastanza vicino a un nemico fa scattare una visuale in terza persona, bloccata sull’obiettivo - a quel punto si può scartare di lato semplicemente muovendosi verso destra o sinistra. Così facendo tenere sotto mira i nemici è elementare e c’è un mirino che individua automaticamente la minaccia più prossima (giocando con delle cuffie, tra l’altro, si può sfruttare una “visione” stereo, particolarmente utile per capire la posizione della fantastica schiera di boss del gioco).

Così come il combattimento è un’evoluzione di quello visto nella serie 2D, che sfrutta al meglio il pad dell’N64, la decisione di Nintendo di ambientare la storia (che è un prequel) in due momenti separati - uno in cui si ha il controllo di un Link più giovane e l’altro in cui si passa a quello in cui è già adulto - può essere ricondotta all’ingegnosa trovata del mondo di luce e del mondo oscuro dello Zelda a 16 bit. Il viaggio nel tempo da un momento all’altro porta a un cambio nell’atmosfera e la vivacità e la spensieratezza del Link più giovane vengono astutamente contrapposte alle sfide più impegnative e preoccupanti che affronta successivamente. Con il succedersi delle sfide procede allo stesso ritmo anche l’intrigante trama, sorretta da un cast di personaggi azzeccati. E con circa 60 ore di gioco - che diventano molte di più se vi abbandonate alla placida esplorazione di ogni anfratto del mondo virtuale - si tratta di un titolo di un certo spessore. Non pensate nemmeno per un minuto che sia un gioco da prendere sottogamba.

Al di là di una gamma di divertenti sotto-giochi (vi va di andare a pescare?), oggetti nascosti (il Rumble Pak può darvi indizi sulla loro presenza) e ingegnosi enigmi che a volte possono essere tanto semplici da farvi perdere in un bicchier d’acqua, la presenza di tocchi innovativi e brillanti spinge il gioco ben oltre i limiti dei precedenti Zelda. Uno dei colpi da maestro è l’Ocarina vera e propria, la cui importanza è riassunta non solo nel titolo del gioco, ma nell’utilizzo in alcuni tra i momenti chiavi. Suonare dei motivetti attraverso i pulsanti gialli C può sembrare una cosa da poco, ma comporre le melodie è un’aggiunta significativa al gameplay principale e crea un fascino etereo molto specifico.

A proposito, il sonoro gioca un ruolo di primo piano nel gioco e la qualità delle musiche e degli effetti sonori (in particolare quelli della fauna del regno di Hyrule) stupirà anche i più disincantati tra gli esperti.

Così come le fondamenta del gameplay sono costruite in maniera impeccabile, anche il mondo che Nintendo ha costruito sopra di loro si rivela maestoso sotto ogni punto di vista. Colmo di fiumi, cascate, laghi, deserti, villaggi e virtualmente qualsiasi elemento geografico potreste immaginare, Hyrule è un ambiente dotato di una plausibilità estrema. Vaste distese aperte prive di pop-up, panorami di montagna stupefacenti, enormi e deliziosamente rifinite aree circoscritte e il mix di sfumature di albe e tramonti collaborano per fare di questo un gioco di una bellezza inspiegabile.

Solo la curiosa unione di fondali statici e punti di vista in pseudo-scrolling al chiuso – come quelli utilizzati nella città di Hyrule – risulta, al confronto, una scelta al risparmio. Ma anche questa, comunque, rappresenta un interessante novità rispetto alla visuale standard in terza persona.

Tutto in Ocarina of Time è realizzato con un’eleganza vista di rado nei videogiochi. Dal susseguirsi degli eventi che ha un che di gioioso e Disneyano e fino alla storia concitata, all’incredibile scala e alle emozionanti sequenze, nulla è stato sottovalutato nel tentativo di raggiungere la perfezione. Di fatto le uniche macchie su un panorama altrimenti impeccabile sono gli occasioni muri di testo, infarciti di americanismi zuccherosi che a volte impongono uno spiacevole senso di linearità alla struttura aperta. Alcuni giocatori troveranno semplicemente inutili tutti quelle indicazioni (e in più, come sempre, ci sarà un gruppo di giocatori che si lanceranno all’esplorazione della versione giapponese d’importazione), ma ci sono occasioni in cui chiederete a gran voce qualsiasi tipo di aiuto.

Che Miyamoto abbia dedicato a questo progetto più tempo che qualsiasi altro pigro aggiornamento a 64 bit come Mario Kart e Yoshi’s Story è più che evidente - Ocarina of Time finisce verosimilmente per essere il gioco più compiuto a essere mai stato realizzato da NCL1 e una ragione sufficiente all’acquisto di un Nintendo 64. Ancora più importante: il gioco restituisce da solo la fiducia nella grandezza creativa di Nintendo e nel potere dei videogiochi come medium d’intrattenimento. Un’opera geniale.

Voto: dieci su dieci

ALTRA SANTA PAZIENZA

La prima console portatile

Debutto: 21 aprile 1989

Dal 21 aprile 1989 con un Game Boy in mano, e una certa resistenza al mal d’auto, qualsiasi viaggio diventava fattibile. Non è facile spiegare quale potere ebbe la console portatile di Nintendo, la “Handy Game Machine” (come veniva descritta sulla confezione giapponese), sulle vite di bambini e ragazzini. Il Game Boy liberava i videogiochi dai cavi di alimentazione e dagli schermi dei televisori, scovando il punto di contatto tra ciò che erano stati (Game & Watch) e ciò che erano diventati (le console da casa, appunto). Ponendo le basi, assieme al Walkman di Sony, per l’intepretazione di molta tecnologia che sarebbe venuta di lì a poco: quella personale e tascabile.

Con il suo schermo a matrice di punti (a quattro gradazioni di grigio/verde) e una dotazione hardware già all’epoca drasticamente limitata, il Game Boy trascinò nelle tasche centinaia di mondi possibili, istantaneamente accessibili, anche se, almeno all’inizio, stilizzati e ridotti all’essenza dell’estetica e della funzionalità dei videogiochi. Un’essenza da cui la prima console a 16-bit (il Mega Drive di Sega, 1988) e gli sfarzosi coin-op avevano già strappato una parte del pubblico.

Eppure il Game Boy, le sue quattro batterie AA e il fantastiliardo di giochi disponibili questo non lo sanno. Non sanno di essere inadeguati, sulla carta, e quindi si rifiutano di esserlo e basta. Un Game Boy è per la vita: indistruttibile, compagnone, affidabile nell’autonomia, tentatore con puzzle game, GdR, giochi sportivi, di guida e picchiaduro. Chi lo aveva, probabilmente lo ha ancora.

Il GameBoy [sic] utilizza dei pixel su uno schermo a matrice di punti per creare i personaggi e le ambientazioni. Questo gli permette di generare nuove forme per ogni gioco, non dovendosi più limitare ad avere delle immagini fisse già accoppiate in maniera permanente allo schermo.

Steve Harris - Electronic Gaming Monthly1

Il Game Boy venne messo in vendita inizialmente in Giappone al prezzo di 12.500 Yen. Oltre a si poteva scegliere tra quattro giochi a disposizione, tutti proposti a 2.600 yen: Alleyway, Baseball, Yakuman e Super Mario Land.

Qualcosa in più…

Nei mesi in cui debuttava il Game Boy, l’unica concorrenza prevista per la prima console portatile della storia sembrava dover essere quella rappresentata da un hardware portatile in sviluppo presso Epyx. Si sarebbe trattato di una console con schermo a colori e giochi singoli su cartuccia, chiamata Handy. Epyx non riuscì a completare i lavori, ma prima di dichiarare bancarotta vendette il progetto ad Atari, che ne cambiò il nome in Lynx (1989). /

Tetris

Debutto: 14 giugno 1989

[NUOVO!] Un semplice rompicapo che mette alla prova prima la velocità di pensiero e poi la capacità di reagire in uno schiocco di dita: è la cassetta che Nintendo ha incluso in tutte le confezioni del Game Boy in occidente, una conversione del successo che ha scavalcato la cortina di ferro dell’Unione Sovietica e sta velocemente conquistando le terre emerse che hanno scelto la strada del capitalismo.

Tetris e il Game Boy non sono un gioco e la console su cui gira, ma due parti fondamentali dello stesso organismo. Un innesto naturale che funziona senza necessità di spiegazioni e la dimostrazione sul campo del significato di “killer application”, se mai ce ne fosse bisogno. Nemmeno la necessità di sbiadire i colori e passare alle tinte verdi dello schermo a matrice di punti ha smussato l’acutezza del game design di Tetris. Comprate Tetris per il Game Boy o il Game Boy per Tetris, è la stessa cosa.

E poi si può anche giocare in due, uno contro l’altro!

Tetris è davvero un gioco divertente. A un certo punto nella redazione di Famitsu è addirittura stato impedito di giocarci. E ora questo spasso, Tetris, ha pure una modalità multiplayer il Game Boy! È fatta incredibilmente bene e vi consiglio di provarla.

Mizuno - Famitsu2

Come già con Tennis, consiglio senza riserve di provare questo gioco contro un amico collegando due console! È come se avessi scoperto un modo tutto nuovo di giocare a Tetris. Naturalmente rimane perfettamente godibile anche da soli. Ho la sensazione che [questa versione] farà crescere ancora di più il numero di fan di Tetris.

Morishita - Famitsu3

Giocaci oggi: Switch

Nell’almanacco:
Tetris [arcade] (1988)
Tetris DS (2006)

Super Mario Land 2: Six Golden Coins

Debutto: 21 ottobre 1992

Super Mario Land 2: Six Golden Coins mette da parte lo stile e l’approccio di Super Mario Land (1989), per proporre una formula più vicina a quella di Super Mario Bros. 3 (1989) e Super Mario World (1990). Su Game Boy ci si può godere un’avventura tecnicamente spettacolare e dal design particolarmente elegante (oltre al debutto di un nuovo cattivo: Wario!). L’inedita carota magica trasforma Mario in un coniglietto e le sontuose (e pelose) orecchie gli concedono di rallentare le cadute ed estendere i balzi.

[…] il gioco è fondamentalmente lo stesso, solo incredibilmente più vasto e più bello graficamente - senza contare che la realizzazione tecnica è davvero incredibile.

Ulrike “Ulli” Saltuari - Console Mania4

Giocaci oggi: Switch

Nell’almanacco:
Super Mario Land (1989)
Super Mario Land 3: Wario Land (1994)

Kirby’s Dream Land

Debutto: 27 aprile 1992

Donkey Kong, Mario, Link, Samus: alla Nintendo non hanno problemi a uscirsene con personaggi nuovi di zecca. Quindi fate spazio a Kirby e al suo primo videogioco: Kirby’s Dream Land. L’affare in questione è bianco, tondo con dei piedini minuti, e oltre a svolazzare libero, ha l’abitudine di ingoiarsi i nemici e risputarli fuori per colpirne degli altri. La grafica è deliziosa, con sprite belli grandi e ben animati, mentre la difficoltà è calibrata per risultare adatta ai giocatori più giovani. Benvenuto Kirby!

Kirby’s Dream Land trasformerà in realtà i sogni del vostro Game Boy, grazie a un’eccellente grafica, un’idea di gioco nuova e molte ore di divertimento. Fate un bel respiro e affrontate questa nuova avventura! La sua brezza vi porterà ovunque.

Linoleum Blown Apart - Game Pro5

Giocaci oggi: Switch

Nell’almanacco:
Kirby: Power Paintbrush (2005)

The Legend of Zelda: Link’s Awakening

Debutto: 6 giugno 1993

Se Super Mario Land e Super Mario Land 2: Six Golden Coins vi sono sembrati dei miracoli di miniaturizzazione, The Legend of Zelda: Link’s Awakening vi spedirà direttamente alla ricerca di una nuova religione a cui affidarvi. E a questo punto vale la pena prendere in considerazione i miti e le credenze della gente di Hyrule. Sul piccolissimo schermo del Game Boy approda un’avventura degna delle lodi che la serie di Zelda ha già accumulato nelle uscite casalinghe. Link’s Awakening sposta l’azione esplorativa sull’isola di Koholint, ma la ricetta di enorme successo di Nintendo rimane immutata e porta agli stessi risultati. Per l’occasione alla direzione si è messo Takashi Tezuka, più noto per il suo passato nel Regno dei Funghi. Link ringrazia e passa di nuovo a incassare.

Uao e riuao! Erano anni luce che una cartuccia per Game Boy non mi divertiva così. A dire il vero, dai tempi di Final Fantasy Adventure […]. Zelda Link’s Awakening è altrettanto vario e coinvolgente. La trama è un po’ meno bella, ma ci sono più cose da fare e da scoprire.

Vincenzo “Raist” Beretta - Game Power6

Giocaci oggi: Switch

Nell’almanacco:
The Legend of Zelda: Oracle of Seasons/Ages (2001)
The Legend of Zelda: The Minish Cap (2004)

Pokémon VerdeRossoBlu

Debutto: 27 febbraio 1996

La redazione di IGN si decise a pubblicare una recensione di Pokémon Versione Rossa e Pokémon versione Blu solo alla fine di giugno del 1999, a nove mesi dal lancio del gioco negli Stati Uniti (e ovviamente a più di tre anni dal suo debutto assoluto in Giappone). L’attacco dell’articolo, firmato da Craig Harris, spiega come sono andate probabilmente le cose: “Non è una moda passeggera. È un gioco fantastico, degno di finire nella raccolta di chiunque abbia un Game Boy”.

Si può intanto dire che, il 27 febbraio 1996, Nintendo distribuisce due versioni di un gioco chiamato Pocket Monsters, la formulazione ufficiale e per esteso che poi rimarrà limitata alla tradizione orale. Il disegno che si è fatto in testa Satoshi Tajiri, che del gioco e dell’universo dei mostriciattoli tascabili è il padre e forse addirittura l’entità divina suprema, è di prendere gli insetti e le creature che vivono in giardini e boschi, e regalargli una seconda carriera. Non è questa la trovata più efficace del gioco. A stupire sono gli incastri tra di loro, il modo in cui le quindici differenti categorie di mostri rivelano punti di forza e debolezze contro alcuni e rispetto ad altri ancora.

Pokémon Red e Pokémon Green hanno già tutto quello che serve per costruire un impero. Un videogioco accessibile ma tutto da studiare, un cast di personaggi pronti per essere trasformati in merchandise di ogni tipo e un’efficace trasposizione animata che espande a dismisura il bacino di utenti. Ma la prima pietra è solidissima ed è questo doppio gioco di ruolo elegante e curioso, che stimola e quasi obbliga a confrontarsi e collegarsi con altri giocatori e che non tratta il Game Boy come un attrezzo arruginito di cui disfarsi.

E allora sì, dopo mesi anche IGN si adeguò e finì per recensire questo strano esperimento atterrato dal Giappone.

Pokémon merita davvero di diventare uno dei più grandi giochi del Game Boy. Non è una moda passeggera, o l’infatuazione di un momento. Se non lo avete di già, compratelo. Non importa se acquistate l’edizione Blu7 o Rossa, sono lo stesso gioco. Assicuratevi solo di conoscere qualcuno che abbia l’altra versione, è l’unico modo per poterli acchiappare tutti.

Craig Harris - IGN8

Nell’almanacco:
Pokémon Versione Bianca / Versione Nera (2010)

Altro nell’almanacco:

• Game Boy Color (1998)

• Game Boy Advance (2001)

Legenda:
[NUOVO!] Di questo gioco non si è parlato nella prima stagione di Day One.

And everywhere I go / There’s always something to remind me / Of another place in time / Where love that traveled far had found me

Se volete saperne di più, ne abbiamo parlato nel podcast di Day One, in un episodio interamente dedicato al gioco:

Prima del resto, un barile esplosivo:

• Luna, il servizio di cloud gaming di Amazon, fa un bel passo indietro: da giugno non si potrà più né acquistare singolarmente i giochi né giocare a quelli acquistati su Ubisoft+, GOG e sulla piattaforma di EA. Ci saranno quindi solo due tipi di abbonamento (quello standard incluso in Prime e quello Premium) che daranno accesso a un catalogo di gioco pre-determinato.

• Come la Cina ha usato la forza bruta per dominare il mercato mobile e cosa dovrebbero fare le aziende occidentali per giocarsela.

• Questa settimana sono usciti anche due giochi dalla direzione artistica stellare, perché nella vita servono anche le cose che sono solo semplicemente belle. Sono Replaced e Mouse: P.I. For Hire

• Vi ricordate quando noi (o almeno io) millennial abbiamo iniziato a prendere i giro “gli anziani” con “OK boomer”? Ecco, inevitabilmente ora siamo noi i boomer dei gen Z, anzi, più precisamente gli “unc”, cioè gli zii. E quindi, per estensione, esattamente sono sono nati i boomer shooter, ora ci sono gli unc games, quei giochi cioè che vengono incontro all’età e ai limiti dei millennial. Per Keza MacDonald questo non è altro che il compiersi del ciclo della vita:

• 4A Games ha presentato Metro 2039, il nuovo capitolo della saga che è stato profondamente condizionato dall’invasione dell’Ucraina da parte della Russia (4A Games è uno studio nato in Ucraina). Gloria all’Ucraina.

• Ora si possono creare giochi all’interno di Roblox partendo da un prompt. Io non voglio essere sempre l’anziano che urla guardando le nuvole, però mi sembra che l’unico che tra me e Roblox che sta facendo uno sforzo per evitare che io lo meni sono sempre io, la stessa persona che poi, prima o poi, lo menerà.

• A differenza di Panic e PlayDate, i cui sviluppatori non possono del tutto usare l’AI per creare elementi artistici, audio, musica, testo o dialoghi. Sempre i migliori.

• Qualcuno che si è incastrato male: il game director di Kingdom Come Deliverance II spiega come una romance gay non sia per nulla woke, perché dio mio che schifo il woke.

• Stop Killing Games è andata a farsi sentire al Parlamento Europeo e pare sia stata molto efficace nel far capire che questa cosa che uno si compra un gioco e poi rimane con il cerino in mano quando il suo editore lo chiude è un problema per tanti.

• Nathan Grayson su Aftermath scrive un bel pezzo su Left 4 Dead e più nello specifico sul perché le scritte sui muri siano così significative pur essendo un elemento totalmente accessorio del gioco. Qual è questo perché? Sono state scritte da esseri umani, e non dall’AI. Sembra un azzardo, lo capisco, ma sono proprio queste piccole cose che sembrano inutili a dare un’anima alle cose.

A posto così, al prossimo barile!

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Ed è anche il gioco protagonista della nuova puntata del podcast di Day One, che esce esattamente quando deve uscire: cioè al day one (con le minuscole) di Pragmata. Una puntata veloce e pulita, efficace ed elegante come il sistema di gioco elaborato da Capcom. O forse meccanica e poco oliata, come gli androidi sempliciotti che si abbattono velocemente nelle prime fasi di Pragmata. Decidetelo voi!

Come già nelle puntate precedenti, vi spieghiamo chi ha lavorato a Pragmata, se e quanto ci sono piaciute le versioni per PlayStation 5 e Switch 2 e cosa ne ha scritto la stampa nazionale e internazionale.

Questa puntata può essere ascoltata attraverso il player in testa a questo messaggio o passando al proprio rifornitore di podcast di fiducia.

Il podcast di Day One su Spotify

Il podcast di Day One su Apple Music

Il podcast di Day One su Amazon Music

Infine, la solita richiesta: tutta questa roba di Day One e Santa Pazienza esiste grazie al supporto del pubblico. Il podcast rimarrà gratuito anche in questa intera stagione, ma se vi piace siete molto, molto invitati a condividerlo in giro, a diffonderlo, a parlarne a persone che vi rispettano (e pure alle altre).

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Buon ascolto!
Mattia e Alessandro

ALTRE PUNTATE DEL PODCAST:

Omega Boost (Polyphony Digital)

Debutto: PlayStation - 22 aprile 1999

Tra Gran Turismo e Gran Turismo 2, c’è Omega Boost. Polyphony Digital saluta il secolo scendendo dalle auto e salendo fino in cielo, addirittura nello spazio infinito in cui il suo mecha dà la caccia a stormi di nemici. Per mettere assieme uno sparatutto che non ha nulla a che vedere con quanto realizzato in precedenza, o successivamente, lo studio giapponese di Kazunori Yamauchi ha chiamato alle sue dipendenze Yuji Yasuhara, il Main Programmer di Panzer Dragoon per il Saturn. Il responsabile del progetto e del design dei mezzi meccanici è addirittura Shoji Kawamori, il creatore di Macross. La manovalanza di alto livello viene affidata a Cyberhead, uno studio giapponese fondato da ex sviluppatori di Technosoft (Thunderforce).

Ci sono tutte le premesse per un altro exploit stellare di Polyphony Digital, anche perché intanto la PlayStation (unica console per cui è previsto Omega Boost), ha conquistato il mercato e può contare su quasi settanta milioni di unità in tutto il mondo. Durante le fasi di dogfighting astrostellare si può agganciare il nemico e iniziare a tartassarlo di colpi, mentre l’esplorazione è limitata ai percorsi prestabiliti dai binari imposti dagli sviluppatori.

Wow. Gli sparatutto stanno diventando sempre più impressionanti sulla PlayStation, ma credo che questo sia il più bello in assoluto da vedere. Se si parla di grafica, il team di Gran Turismo sa davvero il fatto suo. E sotto a tanto spettacolo c’è anche un gioco divertente… anche se fin troppo difficile. Ci sono momenti in cui tutto si muove talmente velocemente che è difficile capire cosa stia succedendo.

Dean Hager - Electronic Gaming Monthly1

Più che un gioco definitivo, Omega Boost sembra la prova generale per qualcosa di più consistente, un progetto concluso frettosolamente per verificare l’efficacia di alcuni elementi cardine.

Marcello Cangialosi - Super PlayStation Console2

Nell’almanacco:
Gran Turismo (anno)
Tourist Trophy (anno)

Shining in the Darkness (Camelot)

Debutto: Mega Drive - 29 marzo 1991

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La PlayStation al culmine del suo strapotere, il gioco online che inizia a dimostrare le sue potenzialità, ma anche gli ultimi esaltanti rantoli del mercato arcade e alcune eccellenze nate su PC e consegnate alla storia: nel 1999 ci sono stati molti grandi giochi. Molti di più di quelli schiacciati dentro questa puntata di Day One, ma è comunque un punto di partenza. Perché magari qualcuno si era davvero preoccupato del Millennium Bug, ma in tanti stavamo solo pensando a come mettere assieme i soldi per giocarci almeno un po’ della roba buona, buonissima, uscita quell’anno.

Silent Hill

Debutto: PlayStation - 23 febbraio 1999

Silent Hill non è il solito videogioco dell’orrore, probabilmente perché non si limita a riproporre le idee di un classico film dell’orrore. Konami cerca, piuttosto, di trovare una formula che possa adattarsi alle situazioni e alle caratteristiche specifiche dell’interazione permessa dai videogiochi, riuscendoci. Il risultato è un’esperienza scomoda, preoccupante, ansiogena e fonte di turbamenti.

Harry Mason è alla ricerca di Cheryl, la figlia scomparsa nella nebbia di una cittadina del Maine. Konami tiene teso il filo della tensione, con un orrore che è più spesso terrore, rivelato solo a tratti ma perennemente in agguato (o percepito come tale da chi gioca). Harry è un uomo qualsiasi e quindi senza alcuna preparazione per il combattimento con creature orrendamente deformate (e qui c’è tutta una critica dello sviluppatore giapponese al sistema scolastico occidentale e orientale), a sua disposizione ha poche armi ma tanta determinazione nello scappare appena possibile.

C’è di sicuro qualcosa, infine, che unisce Silent Hill alle produzioni per la televisione. L’introduzione del gioco non lascia spazio all’usuale sequenza narrativa, ma a una sigla che accompagna anticipazioni sul gioco con un tema musicale ben lontano dai canoni dei videogiochi. La costante sensazione che i pezzetti del racconto scivolino tra le mani e cambino forma prima di toccare terra, ma anche il nome stesso del gioco che si rifa a un luogo, rimanda per forza di cose a Twin Peaks di Lynch.

In un videogioco non sai mai se il tempo stia scorrendo o no, quando spari a qualcosa non si distrugge, non ti viene fame e non devi andare in bagno… naturalmente qualcuno potrebbe commentare “ma è solo un gioco”, però se si pensa alla varietà delle emozioni che un gioco può evocare (dall’ansia alla paura e poi al sollievo), credo che l’atmosfera sia più simile a ciò che sperimentiamo quando sogniamo o abbiamo un incubo. E i giochi d’avventura sono l’equivalente di vivere i sogni di un’altra persona. Abbiamo deciso che ciò che si sarebbe visto e provato in questo gioco, sarebbe stato simile al rimettere assieme i frammenti di una memoria.

Keiichiro Toyama - Director Konami1

Silent Hill corteggia il videogiocatore mostrando barlumi di orrore un poco per volta. Lo invita in luoghi deserti, apparentemente innocui, per catapultarlo, quando meno se lo aspetta, in un vero e proprio incubo digitale.

Marcello Cangialosi - Super PlayStation Console2

Nell’almanacco:
Silent Hill 2 (2001)

Super Smash Bros.

Debutto: Nintendo 64 - 21 gennaio 1999

Dodici personaggi del cosmo di Nintendo si danno battaglia in Super Smash Bros., il picchiaduro creato da HAL Laboratory. Mario, Link, Zelda, Samus Aran, Pikachu, Kirby, Donkey Kong, Falcon, Yoshi, Ness, Luigi e Jiglypuff compongono il roster di picchiatori improvvisati, che mettono in moto un gameplay del tutto differente da quello che accomuna i picchiaduro a incontri. I livelli ricordano quelli dell’originale Mario Bros. (1982), con piattaforme e ostacoli, e l’obiettivo finale è lanciare gli avversari fuori dall’area di gioco.

Beh, volevo proporre qualcosa di differente dai picchiaduro a due dimensioni che avevano inondato il mercato. Volevo anche capire se fosse possibile creare un gioco per 4 partecipanti che offrisse un’esperienza nuova a ogni partita. Per farla breve, puntavo a una battaglia reale per 4 giocatori.

Masahiro Sakurai - Director Nintendo3

Il gameplay ripetitivo e l’intelligenza artificiale non molto intelligente rendono la modalità per singolo giocatore di Smash Bros. tutt’altro che impressionante. Funziona, ma non è nulla di incredibile. Quelle che rendono il gioco così divertente e che vi ci faranno tornare sopra, sono le modalità per più giocatori e a squadre. Certo, Super Smash Bros. all’inizio potrebbe sembrare un po’ frustrante, ma se riuscirete a padroneggiare le tecniche di combattimento del vostro personaggio e a capire come evitare di cadere verso morte certa, allora in multiplayer vi divertirete un sacco.

Shawn Smith - Electronic Gaming Monthly4

Giocaci oggi: Switch

Qualcosa in più…

Il progetto di Super Smash Bros. venne inizialmente concepito e sviluppato da Masahiro Sakurai e Satoru Iwata, che nel 2003 diventerà il presidente di Nintendo. Il nome di progetto fu Kakuto-Geemu Ryuoh (Dragon King: The Fighting Game) e inizialmente non era prevista la presenza di personaggi storici di Nintendo. La serie ha venduto oltre 75 milioni di copie nelle sue varie versioni (dati aggiornati all’anno fiscale 2024).

Nell’almanacco:
Super Smash Bros. Melee (2001)
Super Smash Bros. Brawl (2008)

Power Stone

Debutto: arcade - 13 febbraio 1999

{ di Marco Mottura }

Capcom, in piena euforia da cambio generazionale, reinventa la canonica formula del picchiaduro 1vs1 – di cui, ricordiamolo, è e rimane per sempre la sacra custode – per votarsi a una tridimensionalità spintissima, in larga parte a base di interazioni ambientali. Power Stone, con un cast di personaggi cartoon e uno stile gustosamente didascalico, ha l’accessibilità dei grandi giochi da arcade e lo spunto quasi da action in terza persona: la vera chiave sta infatti nel muoversi rapidamente all’interno di scenari con una certa verticalità, per agguantare il più velocemente possibile il tris di gemme colorate che permette di sbloccare per qualche istante i potentissimi alter ego dei vari lottatori.

Un esperimento originale e diverso dal solito, che rinuncia alle combo e alle complesse concatenazioni di pulsanti tipiche del genere per puntare su un approccio diretto e senza fronzoli – destinato sfociare nella deriva da party game del seguito. Curiosità bonus: Power Stone ha dato vita anche a una serie TV a cartoni animati da 26 episodi, trasmessa anche nel nostro Paese nei primi anni 2000.

All’inizio [Power Stone] era un picchiaduro con visuale laterale come Street Fighter e con due colpetti in una direzione sullo stick, ci si avvicinava o allontanava. A metà dello sviluppo siamo passati a una visuale dall’alto. Ricordo ancora quanto sia stato esaltante rendersi conto di aver trovato una personalità adatta al gioco, completamente differente da quella di Street Fighter.

Takeshi Tezuka - Producer Capcom5

Giocaci oggi: Steam | Xbox | PlayStation | Switch

Qualcosa in più…

Power Stone nacque come gioco per l’M2, la console che avrebbe dovuto succedere al 3DO di Matsushita e 3DO Company. Il progetto M2 venne accantonato prima di diventare realtà e Capcom spostò Power Stone su Naomi e, quindi, sul Dreamcast.

Everquest

Debutto: PC - 16 marzo 1999

Con Everquest Sony Online Entertainment si propone con ambizione nel nuovissimo parco giochi dei GdR di massa online. Ci sono ben quattordici classi tra cui scegliere mentre si crea il proprio alter-ego, da spingere poi all’esplorazione di svariati continenti del mondo di Norrath. E tanto meglio se si è organizzati in un party.

L’universo di gioco accoglie ben 14 classi di eroi, a sufficienza per soddisfare la fantasia dei giocatori e ispirare gruppi di gioco variamente assortiti. Lo stile del gameplay, voluto in primis da Brad McQuaid, spinge a creare un party. È il modo più efficiente per affrontare le sfide di Everquest. L’attenzione per il team di sviluppo verso il gioco collaborativo è tale che sono state inserite delle pause, anzi dei tempi di recupero per l’energia magica (mana) e quella vitale, che obbligano a dei tempi morti. Sono quelli che Sony Online Entertainment spera che vengano riempiti dalle chiacchiere dei giocatori, che avranno modo di fare conoscenza tra di loro.

Non credo che il mercato dei MMOG (Massime Multiplayer Online Game, ndt) sia particolarmente competitivo. EverQuest non ha intaccato più di tanto Ultima Online e Asheron’s Call, Anarchy Online e Dark Age of Camelot non hanno dato molto fastidio ad EverQuest. Mi pare che ogni MMOG che viene lanciato tenda ad allargare il mercato, più che a sottrarre iscritti agli altri. Penso che le cose rimarranno così ancora per un po’.

Brad McQuaid - Director Sony Online Entertainment6

EverQuest è il miglior gioco di ruolo online disponibile e promette mesi di divertimento, indicando quale sia il futuro dei videogiochi multiplayer online.

Edge7

Giocaci oggi: Steam

Crazy Taxi

Debutto: arcade - 12 febbraio 1999

Crazy Taxi semina il panico nelle strade di una San Francisco digitale e raccoglie amore nei cuori degli appassionati dei giochi arcade. Sega ha lanciato il suo ennesimo gioco di guida e questa volta la sfida sta nel trasportare a destinazione gli esigenti clienti di un servizio di taxi che li vede come vittime predestinate. Ci sono quattro veicoli tra cui scegliere, con altrettanti schizzati dietro al volante. Dalle casse escono, tra gli altri, i pezzi di Bad Religion e Offspring e la mappa aperta rende imprevedibile ogni “consegna”.

Metà dei miei colleghi si opponeva con convinzione all’idea di un gioco basato su un taxi, mi ci è voluto un mese per convincerli. Erano preoccupati che non fosse abbastanza di richiamo per un gioco da sala.

Kenji Kanno - Director Sega
da: Sega Dreamcast: Collected Works (Simon Parkin - Read-Only Memory, 2019)

Rilassatevi, siete nelle mani di autisti professionali perfettamente addestrati… sì, come no!

Dal materiale promozionale di Crazy Taxi

Tony Hawk’s Skateboarding

Debutto: PlayStation - 29 settembre 1999

Tony Hawk’s Skateboarding è il primo grande videogioco sullo skateboard da chissà quanto tempo. Ogni movimento delle riproduzioni di skater reali (ce ne sono nove, tra cui Tony Hawk ovviamente) è basato sulle sessioni di motion capture e si legano perfettamente tra di loro. Nove ambientazioni diventano i parco giochi in cui sbizzarrirsi nel creare concatenazioni di grind e trick assortiti. Tony Hawk’s Skateboarding ha trovato la formula che rende sufficientemente credibile e comunque assurdamente divertente un videogioco sullo skateboard.

Ho sempre sognato di aiutare a creare un videogioco che rappresentasse il vero mondo dello skate professionistico e quanto sia emozionante. Activision mi ha dato l’opportunità di trasformare il sogno in realtà. Con la loro esperienza so che questa sarà una collaborazione rivoluzionaria.

Tony Hawk - Skater professionista molto simpatico8

I controlli sono intuitivi. Realizzare i trick è facile. E quando cadi, te ne accorgi per davvero. Ma la parte migliore sono i livelli. Si estendono ovunque e sono stracolmi di occasioni per i trick.

Crispin Boyer - Electronic Gaming Monthly9

I videogiochi di skateboard sono arrivati su PlayStation solo un anno fa con Street Sk8er di Electronic Arts, eppure solo 12 mesi più tardi Tony Hawk’s Pro Skater [titolo per gli USA del gioco, ndt] ha già catturato quel feeling estremo e arrembante in forma pressoché perfetta, dimostrando nella programmazione una maestria e un’eleganza al di là di ogni immaginazione.

Doug Perry - IGN10

Giocaci oggi: Steam | Xbox | PlayStation | Switch

Qualcosa in più…

Nel 2000 un accordo tra la giapponese Natsume e Activision portò Tony Hawk’s Skateboarding anche sul piccolo e limitatissimo Game Boy Color di Nintendo. Il gioco venne ripensato completamente, adattandosi alle risorse hardware della piccola console portatile a 8 bit attraverso due differenti visuali (dall’alto e di lato) e un impianto totalmente bidimensionale.

Planescape Torment

Debutto: PC - 12 dicembre 1999

Planescape Torment è il risultato degli sforzi del team di Fallout e Fallout 2, questa volta impegnato a trovare una forma videogiocabile a una storia ambientata nel mondo di Planescape Torment (Dungeons & Dragons). Ed è la prima volta che succede. Planescape Torment utilizza l’Infinity Engine di Bioware e al ruolo di Producer c’è Guido Henkel (Realms of Arkania). Anche Chris Avellone fa parte del team di sviluppo, nel suo caso come Lead Designer. La trama prende il via da una canonica e sempre utilissima amnesia del protagonista. Dopo Baldur’s Gate, Planescape Torment è un altro grande GdR classico per personal computer. Ma cosa sta succedendo in questo chiudersi di secolo?

È qualcosa di cui volevo fare parte. Appena ho scorso le pagine del documento di design, ero già convinto che si sarebbe trattato di un gioco di AD&D differente da tutti gli altri. È un mondo di gioco più crudele e maturo di quello a cui molti appassionati di AD&D sono abituati.

Guido Henkel - Producer Black Isle Studios

Che siate super appassionati di GdR o meno, dovete giocare a Torment.

Michael Wolf - PC Gamer11

Giocaci oggi: Steam | Xbox | PlayStation | Switch

Sid Meier’s Alpha Centauri

Debutto: PC - 9 febbraio 1999

[NUOVO!] Potete togliere Sid Meier da Civilization, ma non Civilization da Sid Meier. Con i diritti della più fortunata serie di giochi di strategia in mano a Microprose e Microsoft, il game designer canadese ha deciso di ricominciare altrove, da Firaxis. Ma in effetti non si è mosso: Firaxis ha sede nello stato del Maryland (USA), così come la Microprose che ha lasciato. E Alpha Centauri, il primo videogioco realizzato da Firaxis, è di fatto Civilization III.

Nel gioco ci sono sette fazioni in lotta per prendere il controllo di Alpha Centauri, la stella verso cui partivano a razzo (con i razzi) le civiltà che uscivano vittoriose da Civilization e Civilization II. Questa volta il secolo è il ventitreesimo e risorse o scoperte scientifiche si sono adeguate. La sostanza però è rimasta inalterata, pur con le apprezzabilissime evoluzioni apportate da Meier e dal suo team, in particolar modo nell’ambito dell’intelligenza artificiale. Settantacinque novità tecnologiche, sessanta tipi di costruzioni e oltre trentamila combinazioni di unità rendono le battaglie su Alpha Centauri il nuovo punto di riferimento per il settore.

Per i fan di Civ, Alpha propone lo stesso fantastico gameplay, ma con una tale quantità di perfezionamenti e aggiunte, e nuovi approcci, che rimarrete sbalorditi.

PC Zone12

Giocaci oggi: Steam

Legenda:
[NUOVO!] Di questo gioco non si è parlato nella prima stagione di Day One.

Every paper that you read / Says tomorrow’s your lucky day / Well, here’s your lucky day

• Avete mai pensato a cosa succede quando un videogioco viene messo in pausa? Io no, ma Zack Zwiezen sì e si è fatto dire da un po’ di sviluppatori come fanno con i loro giochi. Sono cose che noi diamo per scontate, ma spesso molto complicate da realizzare, come ad esempio aprire una porta.

• O far abbracciare due personaggi, che è una cosa così difficile e costosa che testimonia quasi sempre una volontà quasi politica del gesto.

• eFootball, che un tempo abbiamo tutti conosciuto come PES, è stato scaricato un miliardo di volte.

• Cosa succede se sei uno sviluppatore e pesti un merdone in cui centra l’AI? In questo pezzone si fanno un po’ di esempi.

• Questa volta il film su Metal Gear Solid forse si fa.

• Anche di Her Story si continua a parlare, nonostante sia uscito ormai 11 anni fa.

• Creatures Kitchen è un gioco a metà tra il cozy e il creepy.

• Luna, il servizio di cloud gaming di Amazon, diventa sovranista e chiude a tutti gli abbonamenti delle terze parti che aveva permesso fino ad oggi, oltre che impedire l’acquisto di singoli giochi.

• Un vecchio complotto (su Overwatch) che non lo era.

• Starfield arriva su PS5

Nel caso ti fossi perso le meravigliose cose che sono successe su Santa Pazienza questa settimana:

• Un nuovo episodio di Cross Gen dove si parla del film di Super Mario Galaxy.

• Il primo Day One in mono dedicato ad OutRun 2 ($).

• L’annuncio del Club del gioco di Santa Pazienza: che è come un club del libro, ma con un videogioco, che in questo caso è Tomb Raider Remastered ($).

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• Lucas Pope, uno dei pochi veri autori dell’industria dei videogiochi (Papers, Please e Return of the Obra Dinn) non dice a cosa sta lavorando per paura che la gente (o l’AI) gli rubi l’idea.

• The Cube, Save Us è l’ennesimo gioco a sviluppo continuo chiuso a nemmeno un mese dal suo lancio.

• Un mese fa, tra l’altro, veniva pubblicato Marathon, che invece è ancora là.

• Half-Life, ma potete salvare tutti gli scienziati di Black Mesa.

• Jon Ingold è il narrative designer (e cofondatore) di Inkle (80 Days, Sorcery!) e ha fatto questa bella intervista che potete leggere qua.

• No Man’s Sky, all’alba dei 10 anni e dalla chiusura di un arco di redenzione pazzesco, ha deciso di non mettersi più limiti e inserire una meccanica di cattura e combattimento di mostri. Esatto, come i Pokémon. Anche meno Sean, dai, va bene così!

• Nei giorni scorsi hanno fatto un Triple-I Showcase, un evento organizzato da The Triple-I Initiative con un sacco di giochi indie interessanti.

A posto così, al prossimo barile!

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Debutto: arcade - 1 dicembre 2003

“È uno dei seguiti di Sega più attesi di ogni tempo”, scrisse Adam Doree di Kiziko nell’autunno del 2003, dopo aver provato una versione preliminare di OutRun 2, inizialmente destinato solo al mercato arcade. “Ha la grafica migliore mai vista in sala giochi ed è la cosa più divertente che si possa fare legalmente in pubblico”, proseguì Doree. A quel punto ben diciassette anni si erano messi tra la distribuzione dell’originale Out Run, avvenuta a partire da settembre 1986, e l’inatteso secondo capitolo del 2003. Della Sega di quei (soprattutto suoi) gloriosi anni Ottanta rimaneva ancora qualcosa, ma dopo il fiasco del Dreamcast e la scelta di diventare uno sviluppatore per parti terze, si stava già diluendo velocemente.

Come OutRun, ma con i poligoni

OutRun 2 venne realizzato da Am2, lo stesso studio interno a Sega che aveva creato il gioco del 1986 e buona parte dei più apprezzati e riconoscibili tra i giochi di guida dell’editore giapponese, come il precedente Hang-On e i successivi Virtua Racing e Daytona USA, tutti in grado di modificare in meglio la percezione nel grande pubblico del marchio Sega. Lo spunto fu di nuovo di Yutaka “Yu” Suzuki, responsabile della realizzazione di tutti i giochi appena citati. A spiegarlo è Makoto Osaki, il Director di OutRun 2, in un’intervista pubblicata da Sega sul suo sito giapponese a dicembre del 2003, quando il gioco è completo e sta iniziando a comparire nelle sale giochi.

È cominciato tutto quando Yutaka se ne è uscito con: “Non sarebbe interessante fare un Out Run con i poligoni?”.

OutRun 2 è il nostro tentativo di scoprire cosa succede provando a recuperare la stessa atmosfera e la stessa idea di fondo dell’Out Run originale, ma utilizzando la tecnologia di oggi.

Pare che, quando ha creato Out Run 17 anni fa, Yutaka-san abbia detto: “voglio fare un gioco di guida, non di corse”. La parola chiave era: “guida”. Al lavoro su OutRun 2, questa volta volta Yutaka ha detto: “arrivare secondi belli rilassati è molto più fico che arrivare primi avendoci provato fino allo sfinimento”. E qui credo che la parola chiave sia “rilassati”… Quindi abbiamo rispettato l’idea che “essere rilassati sia cool”, puntando al contempo a una vera evoluzione [del gioco originale].

Makoto Osaki - Director Sega

Il mobile da sala di OutRun 2 non era più accompagnato da quell’aura avveniristica che contraddistinse il gioco del 1986, per una semplice questione di abitudine. Ma anche perché l’attenzione nei confronti dei giochi da sala era crollata vertiginosamente. Nel 2003 si era ormai esaurito l’effetto di Street Fighter II, che nel 1991 aveva rilanciato l’interesse per i giochi a gettone. Il passaggio di consegne dal mercato arcade a quello home si era completato da un pezzo.

Quella nuova condizione tolse probabilmente un po’ di peso dalle spalle del team di Osaki in Am2. A questo contribuì anche il fatto che i primi anni del Duemila non erano ancora invischiati dell’insopportabile melassa che tende a glorificare, ma soprattutto a cristallizzare e pretendere immutabile, tutto ciò che è già successo. Anche per questo, la nuova direzione scelta dai progettisti di Sega per il sistema di guida alla base del gioco, pur rappresentando un azzardo, se non proprio un problema, riesce a essere tanto coraggiosa. I modelli 3D delle Ferrari, concessi in licenza dalla casa di Maranello (cosa che non era avvenuta nel 1986 e che a questo punto si deve al rapporto stretto da Sega, Suzuki e Ferrari per Ferrari F355 Challenge del 1999)… derapano. Derapano proprio molto e con grande convinzione.

PER APPROFONDIRE

Come eravamo messi nel 2003?

Le console a 128 bit di Sony (PlayStation 2), Microsoft (Xbox) e Nintendo (GameCube) stanno esercitando il massimo sforzo per raggiungere un obiettivo, che a questo punto è già molto differente a seconda del punto di vista preso in considerazione. Per la PlayStation 2 si tratta di aumentare ulteriormente il distacco dalla concorrenza, in una gara che per unità vendute è di fatto già chiusa. Xbox e GameCube si spartiscono quello che cade dal tavolo di Sony. Il genere dei giochi di guida è particolarmente florido ed è capace di offrire una quantità e una varietà di produzioni come non siamo più abituati a vederne, oggi.

Ci sono i comprimari di discreto livello come ATV Offroad Fury 2 di Rainbow Studios per PlayStation 2, le scommesse che non hanno pagato come Auto Modellista di Capcom e R: Racing Evolution di Namco (entrambi per tutti i formati, tranne il PC), ma soprattutto i nuovi classici. Acclaim e Criterion lanciano sul pubblico, a folle velocità, Burnout 2: Point of Impact, Electronic Arts dà una svolta alla sua serie motorizzata per eccellenza e le azzecca tutte con Need for Speed Underground, Nintendo passa da un estremo all’altro dello spettro dei racing game arcade con Mario Kart: Double Dash!! e F-Zero GX, mentre Microsoft punta sullo stile con Project Gotham Racing 2 e Codemasters si toglie altri sfizi con l’eccellente Pro Race Driver (evoluzione della serie TOCA).

Scivolare in un nuovo OutRun

In OutRun 2 ci sono otto modelli di auto sportive realizzate dalla casa del cavallino rampante: la F50, la Dino 246GTS, la Testarossa, l’allora nuovissima Enzo Ferrari, la 360 Spider, la GTS/4 Daytona, la 288 GTO e la F40. E derapano tutte. Ogni volta che c’è un curvone o una chicane, si molla per un istante l’acceleratore e si tira una pedata al freno, per poi tornare a dare gas: a quel punto il bolide da centinaia di migliaia di euro avrà già perso aderenza sulle ruote posteriori e il muso andrà tenuto verso l’interno della curva e poi lasciato che un generoso intervento del gioco aiuti a raddrizzarlo velocemente tornati su un rettilineo.

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Il film di Super Mario Galaxy è una cosa grossa per tanti motivi: lo è per il miliardo abbondante di dollari che raccoglierà al botteghino, lo è per la generazione di nuovi appassionati che probabilmente creerà (o che quantomeno contribuirà a convertire al credo di Mario), lo è per quanto se ne parlerà nei prossimi mesi e per quanto vedremo gadget, stroffi e sorprese dell’Happy Meal in giro per casa o su Vinted a prezzi stratosferici.

Ma soprattutto, è importante per chi va al cinema e non è ancora totalmente ricoperto di disincanto e cinismo, per cui vedere così tante cose legate a Mario in così poco tempo e spazio potrà generare genuina meraviglia, e una continua rincorsa a capire chi-o-cosa-viene-da-che-gioco.

La scorsa settimana sono andato a vederlo con , l’altra metà di Santa Pazienza, e tutti i bambini che avevamo a portata senza che polizia e magistratura avessero ragione di mobilitarsi. Ci siamo trovati al cinema, abbiamo impedito ai nostri figli di convincerci che spendere 42,99 € per un secchiello di plastica per i popcorn a forma di Yoshi fosse qualcosa di assolutamente necessario per la nostra vita, e dopo due ore siamo usciti dalla sala ragionevolmente soddisfatti.

Di cosa si sta parlando

Super Mario Galaxy - Il Film è il seguito di Super Mario Bros. - Il Film, uscito nel 2023 e prodotto (come questo) da Nintendo e Illumination Studios, che sono quelli dei Minions, per capirci. Anche se il film ha lo stesso titolo di quello che è forse il più bel Mario in 3D, i punti di contatto finiscono qua: c’è Rosalinda, che è chiaramente destinata ad avere un posto fisso nel futuro della serie, ci sono gli sfavillotti e c’è tanto dell’immaginario del gioco uscito per la prima volta su Wii nel 2007, ma la storia che racconta non c’entra nulla con il gioco. Nel caso foste curiosi di sapere cosa raccontasse Super Mario Galaxy (il gioco), abbiamo un Elia in grande spolvero pronto a venirvi in soccorso e una Emma disturbatrice in sottofondo:

Ora, dimenticate quello che ha detto Elia (nel caso comunque lo abbiate capito) e ripartiamo da zero: nel film di Super Mario Galaxy la storia comincia quando Bowser Junior rapisce Rosalinda e uno degli sfavillotti a cui fa da madre chiede aiuto a Peach, che parte così in un’avventura spaziale (nel senso di “ambientata nello spazio”) tanto bella da vedere e dal ritmo altissimo quanto leggera e priva di alcuno spessore emotivo.

In generale il film non è piaciuto granché alla critica ma tantissimo al pubblico, che lo ha trasformato nella migliore apertura dell’anno per un film di Hollywood e che gli farà incassare verosimilmente quanto (se non più) del primo film, che nel 2023 aveva tirato su 1,3 miliardi di dollari. Insomma, che piaccia o no, questo sarà uno dei tre o quattro film più visti dell’anno, e se state leggendo Santa Pazienza c’è una grande (quando non enorme) possibilità che lo abbiate già visto o che stiate pensando di andare a vederlo perché o siete cresciuti con Nintendo, o avete delle figlie e dei figli che in un modo o nell’altro vi ci porteranno.

Ecco, questa secondo me è intanto la prima cosa da fare per inquadrare nel giusto modo il film, e cioè capire le persone a cui è rivolto:

• I mega appassionati della serie, che vogliono vedere quante più citazioni possibili.

• I bambini, che magari hanno giocato ad alcuni giochi della serie e anche loro possono vedersi un film d’animazione nel quale riconoscere personaggi ed elementi.

• Futuri videogiocatori o genitori di futuri videogiocatori che magari prenderanno il film come scusa per comprarsi ora un gioco di Mario immediatamente disponibile oppure uno di qualcun altro nell’immediato futuro, come successo per il primo film e Donkey Kong Bananza.

La giuria di Cross Gen

Intanto non è una giuria, perché i due novenni (Emma e Alessandro) e il seienne (Elia) che la compongono sono nella fase in cui non è che stanno lì a spaccare troppo la fava sugli archi narrativi, la continuity e l’evoluzione dei personaggi, ma sono più in quella nella quale un cestello enorme di popcorn è almeno metà del loro apprezzamento per un qualsiasi film.

Appena usciti dal cinema il loro entusiasmo era evidente: Elia anche durante la proiezione non ha smesso un secondo di dirmi dove aveva già visto questo o quel personaggio (ormai ne ha già giocati un po’ di avventure di Mario), e quando è apparso Yoshi (che è da sempre il suo personaggio preferito) si è genuinamente entusiasmato. Non ha mai avuto momenti di stanca, di esitazione o di dubbio: il film gli è piaciuto come poche altre cose e lui, che spesso ha momenti di fatica durante un film di due ore, non si è mai staccato dalla sedia. Emma lo ha anche lei molto apprezzato, anche se forse non con il trasporto totalizzante del fratello.

Però insomma a loro è piaciuto senza riserve.

Mattia però una cosa importante l’ha notata: per suo figlio, come per i miei, la voglia di parlarne o commentarlo è passata praticamente subito e dalla sera in cui l’hanno visto non lo hanno praticamente più menzionato. Non che i miei figli, come credo quelli di tutti, siano mai stati particolarmente generosi nel racconto delle loro giornate o esperienze, ma con i videogiochi che gli piacciono non hanno mai lesinato racconti, commenti e aneddoti. Spesso a cena si parla diffusamente di questo o quel livello, che a volte vengono anche mostrati a nonni, zii e amici assortiti. È vero che questa disponibilità non può esserci con un film visto al cinema, ma con quelli che hanno lasciato il segno c’è sempre stato uno strascico, una coda di domande, di richieste, di voglia di approfondire anche tramite altro. Il robot selvaggio, per dire, lo abbiamo iniziato a leggere perché dopo aver visto il film loro ne volevamo semplicemente di più.

L’idea che mi sono fatto è che anche a un livello più genuino e istintivo, il film alla fine lasci davvero poco. Intanto a noi adulti, che lo giudichiamo in base alla nostra esperienza e alle tonnellate di cinema che abbiamo visto prima, e poi ai bambini, che pur godendosi lo spettacolo in quanto tale non riescono a trovare qualcosa a cui davvero aggrapparsi. I personaggi non si sviluppano mai, le cose accadono perché spesso devono accadere e in generale tutto è incredibilmente votato all’azione. Il che non è sbagliato o negativo di per sé, ma non permette di far crescere sentimenti di alcun tipo nei confronti di chicchessia.

E questo però non è un “errore” di scrittura o realizzazione, è proprio una scelta di chi il film lo ha creato. Lo riassume meglio di come lo farei io Giuseppe Giordano su Esquire:

Forse Nintendo non vuole dare uno spessore alla versione cinematografica dei suoi personaggi più famosi, per evitare che crescano al di fuori del perimetro delle produzioni interattive. Quanto visto al cinema non deve avere ricadute su quanto si vedrà nei videogiochi, né deve realizzarsi una pericolosa incongruenza tra i personaggi sul grande schermo e quelli di poligoni o pixel. Quest'ultimo adattamento di Super Mario è tecnicamente monumentale e narrativamente inconsistente, ma forse i fan Nintendo hanno già una connessione emotiva con Mario, sebbene si tratti dell'ennesima cosa esterna al film: sono più di quarant'anni che all'idraulico più famoso dei videogiochi basta la presenza.

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E adesso?

E adesso si gioca, ovviamente, che è anche il motivo principale per cui questi film esistono: convincere quante più nuove persone a giocare.

Il primo, e più evidente consiglio, è ovviamente Super Mario Galaxy + Super Mario Galaxy 2 (PEGI 7). Per me sono i due migliori platform 3D di tutti i tempi, ma è anche vero che il mio giudizio vale quello che vale in una newsletter in cui sono i bambini a raccontare le loro esperienze. Per cui lascio fare a loro.

Emma ci ha giocato (li ha finiti entrambi) e ne è rimasta entusiasta: ha adorato il level design, fatto di continue scoperte e trovate, un livello di difficoltà giusto per la sua età e un sistema interno di regole che fa riferimento allo spazio (e quindi ai salti e alla gravità) che non l’ha stancata nemmeno per un secondo.

Anche Elia lo ha finito con gusto, facendosi però aiutare in alcuni passaggi (soprattutto le sfide di velocità) e lo ha apprezzato il giusto, anche se con qualche riserva. Va comunque detto che dipendeva molto dal momento del gioco: alcune sezioni sono andate lisce mentre altre gli hanno causato qualche grattacapo in più, arrivando al punto anche da farlo rinunciare a giocare per qualche giorno. È anche più piccolo di Emma, per cui ci sta che lo abbia saputo leggere e apprezzare meno.

Nel caso, lo potete comprare qua1, oltre che ovviamente dallo store online.

Un altro gioco che potrebbe andare bene, visto il ruolo non secondario del personaggio nel film è Captain Toad: Treasure Tracker (PEGI 3), che però non è un gioco di piattaforme, ma un un puzzle game: ogni livello è un piccolo diorama che si può ruotare a piacimento e che si deve esplorare per trovarne tutti i diamanti (che sbloccano le nuove aree) e la stella, che fa accedere al livello successivo. In questo gioco NON si salta ma si deve solo esplorare e sconfiggere i nemici attraverso l’utilizzo di strumenti (come rape o bombe), e la sfida sta nel trovare tutti gli oggetti nascosti, non nel finire i livelli in poco tempo.

Questo se lo è giocato tutto Elia dall’inizio alla fine: ci sono alcuni enigmi che sono un po’ complessi, soprattutto quando si devono raccogliere tanti diamanti per proseguire, ma allo stesso modo non essendo un gioco d’azione si ha anche tutto il tempo per riflettere bene su quello che si vuole fare o dove si vuole andare, il che è sempre un aspetto estremamente positivo.

Lo potete prendere anche questo su Amazon2 o sullo store di Nintendo.

Ultimo consiglio: Yoshi’s Crafted World (PEGI 3), insiema a Kirby il gioco preferito di Elia. Questo è proprio il perfetto primo videogioco: semplice, permissivo, leggibile sia a livello di meccaniche che proprio di leggibilità letterale (Elia ancora non sa leggere) e in generale è tutto pensato per i più piccoli, perché ogni sua meccanica di base (salti, spari, scontri con i nemici) è basilare ma funzionale, con una dolcissima curva di apprendimento. E poi è bellissimo da vedere: tutto è realizzato e pensato per sembrare un lavoretto di carta, cartone e materiali che si possono trovare a casa o a scuola.

E poi c’è il cagnolone.

Indovinate? Anche questo lo potete comprare qua3.

Quindi, come per tutte le cose, come fate, fate bene:

• Se andate e vi piace perché vi solletica la nostalgia e l’alzata di gomito, va bene.

• Se ci portate i vostri figli per vedere la meraviglia nei loro occhi, va comunque bene.

• Se lo vedete e vi annoia, va bene uguale.

• Se lo vedete e vi irrita per quanto è vuoto e per l’occasione persa che vi sembra sia, indovinate? Esatto: va bene.

Infine, bonus per gli adulti: c’è questo notevole episodio di Tintoria con gli attori del cast, perché la monarchia è meglio della democrazia e un Luigi che è molto piaciuto a Luigi.

Spy Vs Spy: guerra fredda a 8 bit

Debutto: Commodore 64, Apple II, Atari (8 bit computer) - ottobre 1984

Negli anni Sessanta del Novecento, Antonio Prohías, un fumettista fuggito da Cuba all’instaurarsi della dittatura di Fidel Castro, crea Spy Vs Spy per la rivista satirica statunitense Mad. In Spy Vs Spy due spie dal muso appuntito e le gambe secche, una bianca e l’altra nera, tentano continuamente di sabotarsi (con esiti ovviamente comici). L’idea di Prohías nasce dal mondo che lo circonda, irrigidito dalla guerra fredda.

Il videogioco di Spy Vs Spy debutta nel 1984 per alcuni computer a 8 bit e la formula ottiene un successo paragonabile a quello del fumetto (che intanto continua a frequentare le pagine di Mad). Lo schermo viene diviso in due, con le spie che frequentano gli stessi ambienti di una casa nel tentativo di trovare tutti i documenti e gli oggetti a cui una brava spia può essere interessata. Vince chi se li mette tutti in tasca e per farlo si deve attingere anche alla riserva di trappole da posizionare in giro per la casa e i suoi mobili, che scattano quando l’altra spia si avvicina per cercare il bottino.

La descrizione che fa il giornalista inglese Christian Donlan di Spy Vs Spy, per “1001 Videogames You Must Play Before You Die” (Cassell Illustrated, 2010), può ricordare lo schema di gioco degli extraction shooter dei nostri anni.

È una sfida tattica senza pause, con i giocatori continuamente impegnati a scegliere se portare con sé gli oggetti che hanno trovato (a rischio di perderli se vengono uccisi) o se nasconderli tutti da qualche parte, riempiendo poi di trappole il luogo, scommettendo così di dare al nemico la punizione che si merita quando verrà a cercarli.

Christian Donlan

Qualcosa in più…

Spy Vs Spy venne convertito per un gran numero di console e computer, finendo un po’ ovunque: Amstrad CPC, BBC Micro, Sharp X1, ZX Spectrum, Atari ST, NES, Master System. Nel 1999 e nel 2005 vennero realizzate dei nuovi videogiochi con lo stesso titolo, rispettivamente per il Game Boy Color e la PlayStation 2 e l’Xbox.

James Pond contro le forze del male (noi)

Debutto: Amiga - dicembre 1990

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God of War: “boy!”

Debutto: PlayStation 4 - 20 aprile 2018 | Segue God of War: Ascension (2013)

[NUOVO!] Vecchia e nuova generazione non ragionano allo stesso modo. Gli strascichi della complessa progettazione della PlayStation 3 hanno finito, in un modo o nell’altro, per rallentare e ammortizzare le ambizioni di alcune delle serie di maggior successo della PlayStation 2. A perdere ritmo è stata anche quella di God of War, con un confuso God of War Ascension. Il rilancio sulla PlayStation 4 è di quelli pensati per soffocare ogni dubbio: il nuovo God of War è lucido e determinato come questa generazione di console Sony.

Il passaggio generazionale è materia di discussione anche all’interno del gioco, con Kratos che ha abbandonato il pizzetto e scelto una barba completa degna di un vero dio greco. E che, soprattutto, si ritrova a vivere le complicate avventure di un “ragazzo” padre: alla nuova Ascia del Leviatano e ai suoi rimproveri monosillabici è affidata la sorte del figlio Atreus. Intanto la produzione si è spostata nelle gelide terre di Midgard, ben più a nord della regione ellenica.

Questo God of War riesce a recuperare tutta la natura muscolare della serie, la soddisfazione di un sistema di combattimento ben congegnato (e differente da quello del passato), aggiungendo un ambiente più ricco e complesso, costellato di personaggi e situazioni definite da una penna più elegante. È davvero un videogioco figlio del suo tempo. Mai dare per morto il dio della guerra.

A volte God of War è stupefacente, nel vero senso del termine, ma la sua anima sta nei molti modi in cui quest’uomo e suo figlio costruiscono e poi distruggono il loro rapporto.

Chris Plante - Polygon1

Nel nuovo God of War le armoniose combo da completare in serie contano poco, al loro posto ci sono mosse individuali, da collegare una all’altra in reazione alla varietà di nemici che si susseguono in battaglia.

Nick Plessas - EGM Now2

Giocaci oggi: Steam | PlayStation

Nell’almanacco:
God of War (2005)
God of War: Ascension (2013)

Street Fighter IV e la classe del 1991

Debutto: arcade - 9 luglio 2008 | Segue Street Fighter III (1997)

Street Fighter IV somiglia tanto a una cena coi compagni di scuola, un bel po’ di tempo dopo che ci si è persi di vista. Al ristorante che fa il giropizza si presentano tutti. Tutti e dodici quelli delle edizioni World Warrior (1991) e Champion Edition (1992), avendo la sensibilità di farsi accompagnare da solo quattro estranei: Abel, C. Viper, El Fuerte, Rufus. Non serve molto di più delle prime battutacce di Dhalsim o delle tirate di Ryu, per capire che a cambiare è stata solo qualche linea del viso. E che il giropizza, alla fin fine, può pure essere un gran bel mangiare.

A occuparsi di Street Fighter IV dentro Capcom è stato inizialmente Yoshinori Ono, che ha combattuto per imporre l’idea di un nuovo capitolo principale della serie. La prima dimostrazione pubblicata, nell’autunno del 2007, ha presentato gli elementi caratteristici del gioco: l’impostazione completamente 2D (ma potenziata da una ambiente e da una tecnologia in 3D), lo stile estetico che ricorda la pittura a inchiostro della tradizione giapponese e il nuovo “Focus mode” che mira a garantire una certa imprevedibilità all’interno degli scontri.

Vogliamo che per le persone [Street Fighter IV] risulti come un ritorno a casa, naturale e istintivo. […] Deve essere mantenuta la natura strategica di Street Fighter 2 e Street Fighter 3, in cui gli incontri si evolvono in maniera simile a una partita a scacchi.

Yoshinori Ono - Producer Capcom3

Giocaci oggi: Steam (versione Ultra) | Xbox | PlayStation (versione Ultra)

Qualcosa in più…

Per il lancio della conversione ai sistemi da gioco casalinghi di Street Fighter IV, Capcom commissionò un’interpretazione della serie all’artista inglese Dave White. Il risultato fu un dipinto a inchiostro di 150cmx120cm con una versione stilizzata del volto di Ryu. Capcom annunciò che il valore stimato dell’opera era compreso tra le 7.000 e le 10.000 sterline.

Nell’almanacco:
Street Fighter (1987)
Street Fighter II (1991)
Street Fighter III (1997)

Rayman Origins, ma non sono proprio le sue

Debutto: PS3, X360, Wii - 15/11/2011 | Segue Rayman 3 Hoodlum Havoc (2003)

Rayman Origins riporta a sorpresa Rayman nel mondo dei giochi di piattaforme 2D. Il primo, grande eroe di Ubisoft viene affidato alle cure di un sistema che consente di implementare i disegni realizzati a mano dagli artisti direttamente nel mondo di gioco. Alla direzione del gioco c’è di nuovo, come sempre, Michel Ancel, che guida il gruppo di Ubisoft Montpellier.

Le origini del titolo sono quelle di un gioco di piattaforme dall’impianto bidimensionale, ma è solo apparenza. Questa volta l’azione è molto più veloce rispetto al passato e solo la nuova alta risoluzione permette un level design di ben sessanta stage che si adattano alle esigenze di un massimo di quattro giocatori su schermo.

Egualmente godibile sia da soli che giocando in cooperativa multiplayer, Origins non ha di certo paura quando si tratta di sfruttare idee trovate nei grandi giochi di piattaforme del passato, arrivando a volte a un evidente citazionismo. Si potrebbe criticare una certa imprecisione del sistema di controllo quando messo di fronte ad alcune delle sezioni più intricate, ma vorrebbe dire enfatizzare eccessivamente un problema tutto sommato secondario ed essere ingiusti con un gioco che fa bene quasi tutto.

Will Freeman - The Guardian4

Giocaci oggi: Steam | Xbox

Nell’almanacco:
Rayman (1995)
Rayman 2: The Great Escape (1999)
Rayman Legends (2013)

Return to Monkey Island!

Debutto: PC, MacOS, Switch - 19/9/2022 | Segue Tales of Monkey Island - 2009

[NUOVO!] Il ritorno di Monkey Island, adeguatamente battezzato Return to Monkey Island, non poteva che cominciare con un annuncio mascherato da pesce d’aprile: nel giorno in cui il mare digitale si fa ancora più infestato del solito dalle scemenze, il 1° aprile 2022, Ron Gilbert (il creatore di The Secret of Monkey Island nel 1991) e la sua Terrible Toybox fanno sapere al mondo che torneranno a occuparsi di Guybrush Threepwood e famiglia. Per la prima volta in trent’anni.

Return to Monkey Island non rinnega tutto quanto scritto e messo in scena dalla serie negli anni di assenza di Gilbert (accompagnato dallo sceneggiatore Dave Grossman, anche lui nella ciurma dei primi due storici episodi), ma l’intento è ripartire da dove aveva gettato l’ancora Monkey Island 2: LeChuck’s Revenge. Con un’interfaccia più moderna e che non ha più nulla del sistema SCUMM e una direzione artistica lontana dalla pixel art degli anni Novanta. Ma con una parte del cast e la tradizionale ironia agghindata di non-sense.

È passato molto tempo da quando facemmo il primo Monkey Island: io e Dave non siamo più le stesse persone di allora. E anche i videogiochi sono cambiati, così come il mondo che ci circonda. Non volevamo fare semplicemente un gioco "retrò", non volevamo semplicemente tornare indietro e tirare fuori qualcosa come se fosse uscito da una capsula temporale. Volevamo portare il gioco e i personaggi ai giorni nostri, così come l'approccio artistico, tutto portato "avanti". Abbiamo passato molto tempo a parlarne, per capire che cosa rappresenti quella storia, e cosa avremmo potuto scrivere in modo da rendere il nuovo gioco qualcosa che mostrasse il nostro attaccamento al materiale originale, e non fosse una semplice storia di pirati come tante.

Ron Gilbert - Designer, Creator Terrible Toybox5

[…] stiamo parlando di un'opera riuscita, sicuramente essenziale per gli appassionati di Monkey Island, che pecca solo per qualche ripetizione nei puzzle, comunque ben fatti nel loro complesso, e per alcune rifiniture, ma che in generale si lascia amare fino in fondo.

Simone Tagliaferri - Multiplayer.it6

Giocaci oggi: Steam | Xbox | PlayStation | Switch

Qualcosa in più…

A occuparsi della personalità visiva di Return to Monkey Island è stato Rex Crowley, che ha anche lavorato alla serie LittleBigPlanet e Knights and Bikes. Gilbert raccontò che Crowley gli fece avere una sua illustrazione di Guybrush Threepwood nel 2007 o 2008, realizzata con uno stile squadrato che piacque particolarmente a Gilbert, tanto da convincersi a contattarlo anni dopo, all’inizio dei lavori su Return to Monkey Island.

Nell’almanacco:
The Secret of Monkey Island (1991)
Monkey Island 2: LeChuck’s Revenge (1992)

Tomb Raider è anche un gioco del 2013

Debutto: PS3, X360, PC - 5/3/2013 | Segue Tomb Raider Underworld (2008)

Tomb Raider riparte di nuovo da Crystal Dynamics con il primo episodio di quella che diventerà una serie pensata per raccontare le origini dell’esploratrice Lara Croft.

Dopo anni di sostanziale irrilevanza, spesi a piangere la crudeltà del tempo che passa, Tomb Raider riscopre finalmente un ruolo e una posizione nel mercato contemporaneo. Quella messa a punto è “una storia intensa e brutale delle origini di Lara Craft e della sua ascesa da giovane donna terrorizzata, a sopravvissuta dalla scorza dura”, spiegano Crystal Dynamics e l’editore Square Enix.

Così ne ho scritto nella mia recensione:

Chi cerca meccaniche raffinate e profondità a tutti i costi, ne stia alla larga, ma chi vuole perdersi in un gran bel gioco tutto pancia e cuore, faccia pure un passo avanti. Ad attenderlo troverà un’eroina mai così in forma.

IGN7

Giocaci oggi: Steam | Xbox | PlayStation

Qualcosa in più…

All’inizio del 2012 Crystal Dynamics annuncia una serie di iniziative promozionali per Tomb Raider, in collaborazione con Geocaching.com. Verranno organizzate delle cacce al tesoro in molteplici città del mondo, in cui potenzialmente milioni di appassionati si metteranno alla ricerca di contenitori nascosti (cache) tracciabili attraverso la tecnologia GPS.

Nell’almanacco:
Tomb Raider (1996)
Rise of the Tomb Raider (2015)

La strana linea temporale di Shenmue III

Debutto: PlayStation 3, PC - 19 novembre 2019 | Segue Shenmue II (2001)

[NUOVO!] Yu Suzuki si meritava Shenmue III. Si meritava la campagna su Kickstarter (e non solo) che ha sostenuto il progetto con risultati da record. Si meritava gli applausi e gli occhi lucidi del pubblico presente alla conferenza pre-E3 di Sony del 2015, quando Shenmue III venne annunciato tra lo stupore generale. Parlare di giustizia divina nei confronti di quello che è stato “solo” un videogioco molto coraggioso, quasi vent’anni prima, potrebbe essere un’esagerazione che rischia di rendere impalpabile ogni commento e inaffidabile ogni analisi, ma questo hanno lasciato Shenmue e Shenmue II a una generazione di videogiocatori quando fallirono clamorosamente su Dreamcast e Xbox (nei numeri, non nel peso specifico dell’opera). E cioè la certezza di un lavoro incompiuto e di un torto da riparare.

Shenmue III riparte esattamente da lì, dal concetto di videogioco a mondo aperto che è stato tra gli enormi, spropositati meriti della serie di Suzuki e del suo team Am2 in Sega alla fine degli anni Novanta. Lo fa come se di avventure esplorative e con vaghi elementi di ruolo, intanto, non ce ne fossero state innumerevoli (ampiamente più progredite delle camminate e dei lavoretti per sbarcare il lunario di Ryu Hazuki - ancora impegnato a cercare chi gli ha ammazzato il padre). Ma Shenmue III non poteva che essere questo, cioè il gioco che riprende il filo dove Suzuki era stato costretto ad abbandonarlo. Perché dopo Shenmue II e dopo il Dreamcast, in effetti, Suzuki e Am2 non sono più esistite. Il buco nero degli ultimi diciotto anni viene dimenticato, con Shenmue III e tutti i suoi limiti, si completa un viaggio nel tempo e nello spazio. Se vi va.

Con Shenmue III ho creato un gioco per i fan, ma se avrò l’opportunità di lavorare a Shenmue IV, e penso che l’avrò, so già come potrò soddisfare i giocatori più occasionali, vorrei che fosse un videogioco capace di piacere a tutti.

Yu Suzuki - Director Ys Net8

[Shenmue III] funziona perché è puro, onesto e sincero al 100% rispetto ai giochi originali. Dovete tenere sempre a mente che è chiaramente un gioco fatto per i suoi fan e in questo senso è un successo clamoroso. Nonostante i prevedibilissimi problemi, è il miglior Shenmue III che avessi mai potuto immaginare e non somiglia a nessun’altro gioco, se non ai suoi predecessori. I fan non avrebbero potuto chiedere un seguito più autentico.

Justin Towell - GamesRadar+9

Giocaci oggi: Steam | PlayStation

Qualcosa in più…

L’obiettivo dello studio Ys Net di Yu Suzuki, con la campagna di crowdfunding allestita per supportare Shenmue III, era di raccogliere un milione di dollari in un mese. La cifra venne raggiunta in meno di due ore. Alla fine della campagna, distribuita su più piattaforme, vennero raccolti oltre sette milioni di dollari.

Nell’almanacco:
Shenmue (1999)
Shenmue II (2001)

Altro nell’almanacco:

• Killer Instinct (2013)

• Donkey Kong Country Returns (2010)

• Resident Evil 4 (2005)

• Prince of Persia: Le sabbie del tempo (2003)

• Excitebike 64 (2000)

• Phantasy Star Online (2000)

Legenda:
[NUOVO!] Di questo gioco non si è parlato nella prima stagione di Day One.
[S1] Questa scheda è tratta dalla prima stagione di Day One.

I am the resurrection and I am the life / I couldn’t ever bring myself to hate you as I’d like

Poi oh, poteva essere meglio, ma in questo momento dove tutto sembra essere sempre un infinito pozzo di disperazione e morte io mi porto a casa il risultato. Magari ne parliamo di più e meglio la prossima settimana proprio in Cross Gen, dai.

Nel frattempo però recuperatevi la puntata speciale di Tintoria dedicata proprio al film, nella quale, tra le tante cose, si parla di un altro Luigi della recente storia americana.

Prima del resto, un barile esplosivo:

Se non lo avete fatto, ascoltate il nuovo episodio del podcast di Day One, dove si parla dell’uscita di Screamer.

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• Può essere che con i passi indietro di OpenAI (su Sora ma anche su altro), la guerra che fa rivedere le priorità e un po’ di senno tornato nelle zucche anche la crisi delle RAM (causata proprio dall’AI in prima istanza) stia finendo? Probabilmente no, ma perlomeno i prezzi si stanno di poco abbassando.

• Lui comunque in ogni caso spera di no.

• Anche se non sempre vengono percepiti come tali (un po’ come per PSP), The Division e The Division 2 sono stati un successo. Quest’ultimo poi dopo sei anni ha ripreso ad aumentare i propri utenti. Non è sempre vero, ma a volte certi giochi hanno solo bisogno di tempo per trovare il loro spazio.

• È sempre il momento giusto per parlare di Buffy e di quello che ha significato per il mondo.

• Estendere il divieto per i minori delle piattaforme online ai videogiochi non è una grande idea.

• Konami tratta i suoi dipendenti meglio di tanti altri.

• Forse Fortnite non è quel gioco così solido (o eterno) che pensavamo fosse: una interessante analisi di cosa questo comporta per l’intera industria.

• Il suono di avvio di PlayStation avrebbe potuto essere molto diverso.

• Dedicarsi a un gioco a mondo aperto nel 2026 è un’operazione complessa: serve tempo, dedizione, voglia di non mollare tutto alla centesima missione inutile e la forza di non farsi sopraffare dalle mille cose da fare. Qua una piccola guida essenziale su come darsi un metodo per finirli, oltre che iniziarli.

• Qua invece potete navigare come foste in The Legend of Zelda: Wind Waker.

• Shift Up, lo studio del quantomeno discutibile Stellar Blade, ha acquisito Unbound, fondato da Shinji Mikami (che è il creatore di Resident Evil).

• Un servizio tipo il game pass ma per gli indie.

• Cose che si scoprono su Super Mario Bros. a quarant’anni dalla sua uscita.

• Anche se sei Nintendo, non basta dire che vuoi brevettare la meccanica della cattura dei mostri e del loro successivo utilizzo in battaglia per brevettarla.

• Un leak di GTA IV 18 anni dopo la sua uscita.

• Taito, lo sviluppatore ed editore di Space Invaders e Bubble Bobble ha chiesto aiuto per trovare la sua prima claw machine (prodotta nel 1965) chiamata Crown 602. Non ce l’ha fatta, ma con gli aiuti da casa ha trovato il modello successivo, Crown 603. La ricerca continua.

• La brutta storia del gioco multiplayer di The Last of Us, cancellato quando era all’80% dello sviluppo e un giorno prima del reveal.

A posto così, al prossimo barile!

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{ Ringrazio Giovanni Marrelli, tornato dopo la bruciante esperienza da ospite della prima stagione di Day One per scrivere di uno dei migliori giochi degli ultimi anni. }

InFamous: Second Son

Debutto: PlayStation 4 - 21 marzo 2014 | Da Bellevue (USA)

Avrebbe potuto essere uno dei portabandiera degli studi di Sony al lancio della PlayStation 4, ma non è andata così: inFamous: Second Son diventa però il gioco più atteso e capace di attirare più attenzioni nei primi mesi della console erede dell’impero fondato nel 1994. Sucker Punch riparte da un nuovo protagonista (Delsin Rowe) e dalla sua Seattle (lo studio ha sede nella piccola Bellevue, a un passo dalla grande città).

Quella di inFamous: Second Son è una metropoli divisa in quartieri sotto al controllo della propaganda del Dipartimento Unico di Protezione, una forza militare dagli atteggiamenti fascistoidi che mette la popolazione contro i Conduit, le persone che come Rowe possono sfruttare poteri unici per fare del bene. O del male. Rowe assorbe il fumo e lo rilancia sotto forma di proiettili, sfrutta il neon delle insegne per muoversi, solleva il cemento dalle strade per prendersi gioco dell’assessore al traffico. E mentre lo fa decide se limitarsi a soggiogare i cattivi o se consegnarli all’altra vita.

Dalla mia recensione:

La Seattle di Sucker Punch è clamorosa: dipinta su schermo a 1080p, sfrutta tutto il livello di dettaglio a disposizione e una mezza quintalata di filtri per renderizzare una città ricca, dettagliata e agghindata con texture semplicemente eccezionali. Il tutto, è bene ricordarlo, senza che intervenga mai (mai) alcun caricamento

IGN1

Giocaci oggi: PlayStation

Nell’almanacco:
InFamous (2007)

Deadlight

Debutto: Xbox 360 - 1 agosto 2012 | Da Madrid (Spagna)

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Il giorno che accadde R-Type

Debutto: arcade - 15 maggio 1987 | Genere: sparabydo

{ di Erik Pede }

[S1] Prima del 1987 c’erano gli sparatutto a scorrimento orizzontale. Belli, divertenti, fracassoni e spesso un po’ generici. Dopo il 1987, nulla fu più come prima. Arrivarono la luce pesante, la grafica organica, i pod agganciabili e sganciabili a piacimento e uno degli avversari di fine livello più iconici dell’intera storia dei videogiochi, ovvero l’indimenticabile Dobkeratops. Pochi titoli possono vantarsi di aver cambiato per sempre le regole nel loro settore di competenza: R-Type lo ha fatto al di là di ogni possibile dubbio e merita quindi un posto di spicco nelle cronache dei videogiochi.

All’inizio ci scherzavamo sopra, ma l’idea del Force (il pod, ndt) ci venne osservando uno stercorario. Riflettemmo su un sistema in cui ad aumentare di potere non fosse l’astronave, ma la palla di sterco. Volevamo che due giocatori potessero giocare simultaneamente nella stessa schermata e darsi battaglia, di base.

Abiko - Game Designer Irem1

Non vi sarà difficile individuare il mobile di R-Type in sala giochi: sarà quello circondato da gente con occhi fuori dalle orbite. Quando, e se, arriverà mai il vostro turno, capirete immediatamente il perché del suo successo. Non è che R-Type, uno sparatutto con astronavi a scorrimento orizzontale, metta sul tavolo chissà qualche elemento mai visto prima nel mondo dei coin-op. È solo che quello che fa, lo fa incredibilmente bene.

Commodore User2

Vigilante: cercasi Madonna disperatamente

Debutto: arcade - febbraio 1988 | Genere: picchiaduro religioso

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